Broadway en Act&Art: DÍA 4

La clase de hoy fue la de Rodgers y Hammerstein con Kathy y Chris, excelente para aquellos que desean aprender a interpretar musicales de la manera correcta yendo por el “buen camino”, en donde el instrumento se escucha puro y simple pero más bello que nunca.

Según la página web la clase consistía en:

Un estudio sobre el  Repertorio de Rodgers & Hammerstein, tendrá como objetivo principal trabajar sobre las habilidades básicas de los alumnos para contar una historia, la interpretación de la letra, el fraseo vocal y la dinámica.

Tanto Kathy como Chris coincidieron al decir que antes de que ellos aparecieran en la escena musical, lo más importante era la música, como en los shows estilo Las Vegas, y no había un argumento. Ellos revolucionaron el teatro musical porque crearon personajes con una historia para contar, que no sólo cantan y bailan porque sí, sino que todo tiene una justificación argumentativa.

Lo bueno de sus creaciones es que son excelentes para cantar y actuar, lo que nos ayuda a fortalecernos como intérpretes, porque para cantar su música hay que desarrollar la voz en un estilo clásico, ligado, y no pop.

Algo interesante de lo que plantearon en sus espectáculos fue la relación entre romanticismo y optimismo tanto para los personajes como para la historia en sí, y eso se debía a que su filosofía de vida estaba muy ligada al romance y a la esperanza, muy al estilo “el sueño americano”. En sus personajes no había corrupción, los conflictos por los que atravesaban eran más de tipo social que psicológico.

Otra cosa que dijeron fue que si Sondheim es quien es actualmente, es gracias a Hammerstein.

Pasando a lo que fueron sus recomendaciones, aquí están:

  • Ver Ohklahoma! con Hugh Jackman, porque es una versión actual de un musical clásico bien hecho.
  • En este estilo nunca se canta con belt, siempre es voz de cabeza, porque es un género clásico.
  • Los finales con consonantes deben pronunciarse bien, porque hay que tener en cuenta que ellos escribían para cantantes que no usaban micrófono aún.
  • Cuando alguna frase se repite, siempre debe haber variación, sino queda monótono y no es lo que se pretende. Hay que seguir la emoción que da la canción, porque por algo está esa repetición.
  • Es recomendable tener siempre a mano un tema de ellos para trabajar en el precalentamiento, aunque sea sólo las notas sin palabras.
  • Hay que tratar de no perder los finales, al contrario, tienen que crecer, ser más potentes aún si son dulces.
  • En mi caso, canté The Sound of Music y me dijeron que es la canción perfecta para descubrir mi voz y precalentar, aunque sea usando una sílaba y no las palabras.
  • Edelweiss también es muy buena para el precalentamiento, y lo recomendable es cantarla en diferentes tonalidades.
  • Cuando uno canta tiene que pararse con confianza y sentirse seguro, sacar los nervios afuera para poder transmitir tranquilidad, lo que denota profesionalismo.
  • Tenemos que escuchar ópera, y a cantantes como: Jonathan Pryce, Dawn Upshow, Julie Andrews, George Brent.
  • Para este estilo la voz debe ser: clara, simple, prolija; también es necesario abrir bien la boca y tener buena dicción.    
  • Al cantar tenemos que ligar las notas, y si pasamos rápido de pecho a cabeza o al revés lo que debemos hacer es alivianar la voz para no perder la línea.
  • Siempre tenemos que tomar y aceptar todas las marcaciones que nos hacen sin quejarnos, porque de eso aprendemos y con eso se crece.
  • Tenemos que practicar mejorar nuestra dicción en inglés.

Para finalizar nos enseñaron un tema del musical Carousel llamado If I loved you, simple pero hermoso, escrito de una forma tan linda en ambas partes (letra y música) que fue un placer aprenderlo. 

Cuando terminamos la clase tuvimos una charla con Alejandra Radano y Sandra Guida, dos diosas del teatro musical que lograron hacer carrera no sólo en nuestro país sino también en otras partes del mundo. Lo que nos dejaron muy en claro es que para poder hacer carrera en esto lo esencial es “insistir, insistir e insistir”, trabajar, perfeccionarse, desarrollar las capacidades y mejorar aquello que nos cuesta, buscar siempre la versatilidad para poder ampliar nuestro instrumento y crecer como artistas, porque podemos llegar a descubrir niveles insospechados dentro de nosotros mismos.

Después tuvimos una clase de Técnicas de interpretación con Sandra Guida, una clase magnífica en la que pudimos explorar en base a una canción sencilla cómo podemos interpretarla según lo que nos dice y lo que no nos dice el autor. Trabajamos con la canción Desconfío.

Lo que Sandra nos enseñó fue lo siguiente:

  • Aprender la melodía lo más literal posible, tal cual como la escribió el autor, por más que sea aburrido.
  • En donde encontramos algo que el autor no nos dice en la letra, tenemos la libertad para interpretar, porque lo que nos dice nos limita.
  • La canción siempre es un monólogo, y debe ser estudiada como tal.
  • Tenemos que buscar las emociones básicas de la canción (alegría, bronca, tristeza).
  • Dentro de toda canción por más que uno trabaje con una emoción base, siempre se pasa por un momento de inflexión emocional en el que se combina otro sentimiento, pero respetando la misma línea.

Una vez hecho esto, nos pusimos en ronda e hicimos un ejercicio de precalentamiento activando nuestros reflejos, para luego juagr con las emociones básicas en la canción, y así finalizamos la clase.

Para terminar el día tuvimos una conferencia sobre “Tu propio proyecto” con María Videla de MP Producciones y su equipo. Fue a mi gusto una de las charlas más interesantes porque pude combinar mis conocimientos en comunicación con lo que es la producción de un espectáculo, y vi por primera vez combinadas mis dos pasiones: RRPP y los musicales.

Lo que nos dijeron principalmente fue que al momento de planear un proyecto debemos tener muy en claro en qué circuito nos queremos mover, ya que en Buenos Aires tenemos tres  y muy marcados:

  • Circuito independiente (teatro off).
  • Circuito oficial (teatro subvencionado por el Estado como el San Martín).
  • Circuito comercial (teatro en calle Corrientes).  

Ellos llaman borderó a la recaudación en boletería.

La cantidad de gente que está involucrada en el proyecto va a definir su magnitud, y por ende el presupuesto aproximado.

Una vez dicho esto, nos diferenciaron qué hace el productor general y el productor ejecutivo. El productor general es el dueño del negocio y es quien tiene la última palabra en las decisiones a tomar; mientras que el productor ejecutivo es quien diseña el proyecto y lo ejecuta. Por lo general ambos productores están relacionados, sino son la misma persona.

Todo proyecto cuenta con dos etapas:

  • pre-producción: desde el momento en el que se gesta la idea hasta que el producto se estrena. Cuenta con un monto fijo de dinero, es decir, un costo fijo.
  • running: desde el momento en que estrena hasta que baja por última vez el telón. Cuenta con un monto variable de acuerdo a cómo el espectáculo funciona semana a semana, es decir, un costo variable.

Después la charla siguió, pero como a las 18 entraba a mi horario de beca en el Estudio tuve que retirarme, una pena porque fue la charla que más me gustó. Igual en cuanto tenga más información sobre lo que pasó cuando me fui lo voy a postear.

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