Broadway en Act&Art: DÍA 3

En el 3er día de clases tuvimos Interpretación de la canción con Judy y Chris. Una clase realmente productiva para poder entender los diferentes caminos que llevan a que uno sea un mejor transmisor de emociones, y pueda emplear mejor los recursos propios en pos de la interpretación.

Según la página web, la clase consistía en:

Análisis de la producción vocal y el lenguaje corporal para maximizar el efecto de cada canción.

Trabajamos al principio con un precalentamiento haciendo acordes al estilo coro de iglesia y luego con un estilo más pop, para volver a lo clásico pero ésta vez con vibrato.

Después pasaron 6 compañeros a cantar, y sobre sus canciones iba corrigiendo: dicción, comportamiento corporal, notas, colocación de la voz, abrir más la boca, entre otras correcciones más específicas para cada uno. También probó cambiarles el tema a un estilo más clásico o más pop/rock, según la canción lo requiera (o sea, el opuesto al estilo que estaban cantando). Las canciones fueron:

• Second hand rose.
• Breathe.
• I know the truth.
• I have confidence.
• I enjoy being a girl.
• Being alive.

Entre medio, los consejos de Judy para encontrar la mejor forma de interpretar fueron los siguientes:

Aprender de la música (partitura)y nunca de un cd, porque desde ahí no se puede saber cuáles son las notas originales, en qué tono está y si es el correcto para mí.

Si no entendemos lo que decimos nunca vamos a interpretar bien, y por ende no vamos a transmitir nada. Para poder lograrlo es necesario saber que las palabras son todo.

Si pensamos que algo de lo que hacemos está muy exagerado, en realidad no es así, porque estamos preparándonos para el teatro, no para la vida real, y en el teatro hay que exagerar.

Hay que saber el período clásico del teatro musical si uno quiere tener una carrera profesional en Broadway.

Debemos pronunciar bien las consonantes en teatro para que se entienda bien lo que estamos diciendo. Las palabras son tan importantes como las marcaciones, porque dirigen las emociones del público.

Por más que esté cantando un tema pop, tengo que acercarme lo más posible a la técnica clásica.

Debemos aprender bien: las notas, el ritmo, las palabras.

Dulce no significa débil, es muy diferente. Si uno «ataca» con «agresividad» una canción (es decir, si uno tiene confianza) vamos a ayudar a la respiración, interpretación, al personaje y a las notas.

Aunque un tema sea suave, tenemos que tener un tigre adentro y sentirnos poderosos, porque eso transmite confianza y credibilidad.

No tenemos que tener miedo de aprender un tema sólo con la letra A en cada nota, porque aprender una canción requiere ir paso a paso, primero saber las notas y después sumarle la letra.

La mejor forma de aprender a cantar es frente a un espejo.

Música en inglés se dice: miuzic (con sonidito de abeja la Z).

Cuando cantamos dentro de un personaje, debemos analizarlo y poner 3 ingredientes secretos que son su esencia, así el público va descubriéndolos a medida que corre la canción.

Se respira en cada frase (en cada coma), no en el medio.

El buen teatro es como un accidente de tráfico, la gente se reúne para verlo porque resulta interesante saber qué está pasando ahí.

El nº de las 11 de la noche es el momento cumbre dentro de un músical (según la jerga de Broadway).

«Say what you mean and mean what you say».

Las vocales son puras como en español, así que hay que usarlas.

Una canción es como subirse a un tren, cuando termina el recorrido nunca se está en el mismo lugar que donde empezó.

Cuando terminó la clase tuvimos una charla sobre «Teatro Musical para niños» con Lala Mendía, de la Escuela de Hugo Midón. La charla fue muy entretenida, y entre muchas cosas lo que más rescaté fue que en su escuela lo que buscan es que los alumnos no pierdan el juego,  que los niños disfruten explorando su imaginación al máximo, y que si bien todas las obras de Midón tienen un punto de vista con respecto a la sociedad bastante marcado, eso está bueno porque permite que el niño reflexione.  

Después algunos tuvimos clase de Theater Dance con Jorgelina «Coki» Balerdi. Excelente clase, bailamos The time of my life de la película Dirty Dancing, y aunque no terminamos la coreografía por falta de tiempo, la pasamos muy bien!

Para terminar el día tuvimos una conferencia con Diego Reinhold, y la verdad es que si bien me encanta su trabajo y me parece un groso en lo que hace, su charla no me transmitió nada más que ganas de tomar una clase de metafísica e intentar entender qué nos quizo decir. En un momento me gustó, y puedo recartar lo que dijo acerca de que:

Todo artista que está trabajando correctamente debe viajar en lo que hace, transitar las emociones del personaje de manera que sienta que está volando, como en trance. Sólo de esa manera el público va a creer lo que le estoy comunicando, si no viajo, si no entro en ese estado ideal, si yo no me creo lo que hago, nadie lo hará.

Después dijo otras cosas que no comparto, porque el hecho de criticar desde un punto de vista superior me pareció poco acertado para un grupo de estudiantes. Lo sentí como «yo acá arriba y vos allá abajo, yo hago bien mi trabajo y a vos te faltan años luz para llegarme a las rodillas, yo hago todo bien y el resto no», pero fue mí manera de percibirlo. No compartí muchos de sus puntos de vista, aunque me gustó mucho la forma en la que pudo encausar su arte a través no sólo de la actuación (con baile y canto) sino también desde un lado esotérico, casi onírico, un lado en el que lo vi muy comprometido y me pareció fantástico. Si bien su charla no me dejó nada, creo que es un gran artista que seguiré viendo, pero con quien por lo pronto prefiero no conversar. Otra cosa, me molesta la gente que es convocada a hablar y NO HABLA, o no sabe qué responder, o simplemente está y no transmite entusiasmo por querer saber algo más. Humilde opinión, fue lo que sentí.

Pero a pesar de ese detalle, la jornada fue nuevamente excelente.